背子怎么写角角子

背子怎么写角角子：

林黛玉和薛宝钗穿的就是褙子

襦裙是汉服的一种，上身穿的短衣和下身束的裙子合称襦裙，是典型的“上衣下裳”衣制。上衣叫做“襦”，长度较短，一般长不过膝，下身则叫“裙”。襦裙的种类很多，下图中展示的只是一部分哦。

对襟襦裙则是襦裙的一类，其上襦为直领，衣襟呈对称状，故称对襟襦裙。

坦领，又称U领，汉服半臂中的一种，是从魏、晋以来上襦发展出的一种短外衣。由于胡文化在当时的唐代各阶层间的广泛流行，使得唐代女性穿小袖衣成为一种风尚。

齐胸襦裙，女子襦裙装的类型之一，尤其盛行在隋唐五代时期。

彩铅手绘丨汉服少年2

自从开始写手帐，也同时爱上了手绘，在手帐里适当画一些古风汉服，美美哒！

服装设计手绘的工具

服装设计手绘的工具

这个看个人喜好

我用自动铅笔

橡皮就是素描的用4B橡皮啦

上色用彩铅 辉柏嘉的 牌子 比较好

其实都是纯习惯的 设计的手稿 很随便的

只要表现出来效果就可以了

自己手绘的服装设计上色用什么工具？…

你好,我也是学设计的,服装设计，环艺设计等设计,一般用马克笔,色泽亮,视觉冲击力强,不过我比较喜欢非水融彩铅,柔和细腻的光泽,很舒服,很温暖,富于变化。最终用什么工具要看具体情况,选择最能表现布料光泽和质感的,也可以分别用马克和彩铅上色,对比最终效果来决定用哪个稿子。

希望可以帮到你。

服装设计是学手绘的好还电脑绘的好呢？

我说说利弊吧，哪样好你就自己去定义。首先手绘呢可以不用解决长时间对着电脑辐射等对身体健康有影响的问题，挥洒自如自由洒脱更有味道,线条的穿插也更流利,一些笔触是电脑很难达到的，容易表现设计思想和随意发挥灵感，无论怎么说，身为一个设计师，不多不少也应该有点基础绘画能力的啦。而电脑呢，方便！只要有它，彩笔铅笔油画棒纸张橡皮等等等等零零碎碎的小东西，统统不需要。精确、清晰，有立体感现代感。在表现细节部位结构方面，特别是做一些印花和字效的时候，手绘要做到就不容易了，且方便快捷，尤其修改，上色等，多种面料或颜色都想试试也只是动动手指就能做到的事情。

当然，手绘功夫深，照样能攀登。只要你技术高超，电脑的感觉照样能用手绘出来；同样，电脑来说，只要你操作得熟练，技巧等其它技术运用得好，一样能做出手绘一般的效果。总而言之，尽量扬长避短，选择适合自己的表现方式。而且电脑和手绘只是表现的工具,关键还是脑袋里面有东西~你说对吧陈皮。。

服装设计图一般都是手绘的么？

服装设计图一般分为效果图和款式图，这两种图都可以手绘，也都可以用电脑绘制。效果图手绘可以用水彩、水粉、彩色铅笔、丙烯等多种工具，电脑绘制可用Photoshop、Painter等点阵软件；款式图手绘一般用铅笔或钢笔，需要借助尺子和拷贝纸等辅助工具，用电脑绘制时多用Illustrator或CoralDRAW等矢量软件。

服装设计效果图蕾丝怎么画手绘的

勾线笔和水溶性彩色铅笔

勾线笔有很多种,有水性的油性的还有针管的,牌子一般是用樱花的、斯塔（sta）的、派通或者宝克的

水溶彩铅多用马利,林柏嘉（Liberty）,好像还有辉柏嘉,这两柏嘉都是德国的（不知道这两个是不是一个牌子）.水溶彩铅,蘸水用可以达到水彩的效果

有时为了得到更突出的视觉效果,会把水溶彩铅改用马克笔,但马克笔无法修改,所以大多服装设计手绘稿都用彩铅

需要用水的话,建议用油性勾线笔,以免渗色

谁有为服装设计准备的人体模特图，急！手绘的

去上海闻瑞服装设计实战技能提升训练营还不错. 就学会了。人体模特图需要自己手绘的，别人的永远是别人的。

服装设计手绘图ol风

服装设计手绘图样式比较多，根据你的喜好以及兴趣选择把

服装设计要具备以下6点的能力!

1、 绘画基础与造型能力

绘画基础与造型能力是服装设计师的基本技能之一。当然，以前的设计大师也有个别不会画画的，但他需要在其他方面有更杰出的表现。但有些人即使通过在学校系统地学习和培训，仍然不能很好地用绘画方式表达设计意念的话，那将为自己的创作带来很大的困难。

只有具备了良好的绘画基础才能通过设计的造型表现能力以绘画的形式准确地表达设计师的创作理念，另一方面在设计图的过程当中也更能体会到服装造型重的节奏和韵律之美，从而激发设计师的灵感。

20世纪初包豪斯曾经提出“设计的目的是人而不是产品”，特别是服装，本身就是人体的外部覆盖物，与人体有着密切的关系，作为设计师只有对人体比例结构有准确、全面的认识，才能更好地、立体地表达人体之美，这是设计的基础。

2、丰富的想象力

独创性和想象力是服装设计师的翅膀，没有丰富想象力的设计师技能再好也只能称为工匠或裁缝，而不能称之为真正的设计市。设计的本质是创造，涉及本身就包含了创新、独特之意。自然界中的花鸟树木、我们身边的装饰器物/丰富的民族和民俗题材，音乐、舞蹈、诗歌、文学甚至现代的生活方式都可以给我们很好的启迪和设计灵感。千百年来，服装的历史长河中正是由于前人丰富的想象力和独创的精神才给我们留下了丰厚的宝贵财富。

在西方服装设计史上，那些备受瞩目的署名服装设计师们均以其独特的创造力和想象力再设计上出其巧思。特别是20世纪30年代颇具影响力的意大利女设计师——夏波瑞莉竟将鞋子设计成帽子扣在头顶，将口袋设计成抽屉状，其丰富的想象力及形象幽默、大胆别致的设计风格备受后人推崇。

3、对款式、色彩和面料的掌握

服装的款式、色彩和面料是服装设计的三大基本要素。

服装的款式是服装的外部轮廓造型和部件细节造型，是设计变化的基础。外部轮廓造型由服装的长度和纬度构成，包括腰线、衣裙长度、肩部宽窄、下摆松度等要素。最常见的轮廓造型有“A"型、“X"型、T型、H型、O型等。服装的外部轮廓造型形成了服装的线条，并直接决定了款式的流行与否。部件细节的造型是指领型、袖型、口袋、裁剪结构甚至衣褶、拉练、扣子的设计。

服装的色彩变化是设计中最醒目的部分。服装的色彩最容易表达设计情怀，同时易于被消费者接受。火热的红、爽朗的黄、沉静的蓝、圣洁的摆、平实的灰、坚硬的黑，服装的每一种色彩都有着丰富的情感表征，给人以丰富的内涵联想。除此之外，色彩还有轻重、强弱、冷暖和软硬之感等，当然，色彩还可以让我们在味觉和嗅觉上浮想联翩。

熟练掌握和运用服装面料特质是以未成熟的设计师所应具备的重要条件，设计师首先要体会面料的厚薄、软硬、光滑粗涩、立体平滑之间的差异，通过面料不同的悬垂感、光泽感、清透感、厚重感和不同的弹力、垂感等，来悉心体会其间风格和品牌的迥异，并在设计中加以灵活运用.

不同质地、肌理的面料完美搭配，更能显现设计师的艺术功底和品位。服装款式上的各种造型并不仅仅表现在设计图纸上，而是用各种不同的面料和裁剪技术共同达成的，熟练地掌握和运用面料设计才会得心应手。

服装的款式、色彩和面料这三部分缺一不可，是设计师必须掌握的基础知识。对款式、色彩、面料基础知识的掌握和运用也一定程度能反映出一个设计师的审美情趣、品位和艺术功底。

4、对结构设计、裁剪和缝制的理解

对结构设计、裁剪技术的学习，也是服装设计师必须掌握的基础知识。结构设计是款式设计的一部分，服装的各种造型其实就是通过裁剪和尺寸本身的变化来完成的。如果不懂面料、结构和裁剪，设计只能是“纸上谈兵”。不要以为在公司里结构设计、裁剪是打版师傅的事情，只会画图、不懂打版的设计师肯定不是一个完美、成熟的设计师。不懂纸样和结构变化，设计就会不合理、不成熟，甚至无法实现。

学校里的学生经常会遇到这样的问题，由于自己还不会打版，参加大赛的服装只能请师傅打版，但自己画的是一种效果，做出来完全走了型，没有达到想要的效果。由此可见，打板本身直接决定了服装的造型和整体效果。20世纪里有许多大师都是直接从服装的裁剪和结构入手，并把这些作为十分重要的设计语言，如巴伦夏卡、朗曼、威奥内特、三本耀司等。仔系研究大师们的作品我们可以看到，服装的结构设计深富内涵、表现力独特，其深沉、含蓄而不张扬的风格非常值得细细品味。如果不精通裁剪和结构设计，我们对作品的欣赏只会停留于肤浅的表面，设计也只能是一个空架子、经不起推敲和考验。

缝制也是服装设计的关键，不懂的各种缝制技巧和方法，也会影响我们对结构设计和裁剪的学习。缝制的方式和效果本身也是设计的一部分，不同的缝制方式能产生不同的外观效果，甚至是特别的肌理效果。有的设计师借助“缝纫效果”作为设计语言来尝试新的效果，这种手法在诚意设计中非常普及。这就要求设计师要熟知服装行业中的各种加工设备及服装缝制专用机件，对针织、梭织的加工工艺了如指掌，才能在设计运用中得心应手.

5、对服装设计理论及历史的了解

服装设计的初级阶段是对一些基础技法和技能的掌握，而成功的服装设计师更重要的是应具备设计的头脑和敏锐的创作思维，只掌握基础技能、能画漂亮的效果图是远远不够的。现在的艺术院校服装设计专业都开设有服饰理论课程，学生通过这些课程可以了解中外艺术史、设计史、服装史和服饰美学等理论知识，同时还能开阔学生的眼界、拓宽设计思路，启发他们的设计灵感。

特别是学习中外服装发展史，其源远流长的服饰演变能为我们提供诸多的设计灵感，古埃及风格、古希腊风格、哥特风格、巴洛克、洛可可风格这些在现代服装大师的作品中随处可见。只有了解中西服装发展的历史，理解现代服饰的演变，才能在设计史立足于现代并预测未来。了解中西服装发展史的变化，也会使你更深地体会中西服饰的差异，市自己明白身为东方的服装设计师应该如何面对西方服饰、如何在设计中体现民族风格、如何在世界服饰舞台中赢得一席之地。

6、对20世纪服装发展史和大师风格的掌握

了解和掌握2世纪服装发展史及大师的风格是成为服装设计师的一条快捷之路。从20世纪初期的CHANNEL到本世纪初的加里亚诺，每一位设计大师都为我们在服装史上留下了恒美的一笔：20、30年代优雅浪漫的低腰露背装;50年代典雅富贵的高级时装;60、70年代叛逆怪异的嬉皮士/朋克服饰;80年代宽肩、松身男性化职业女装;90年代型甘迷人的蕾丝、透视服饰……只有深入学习20世纪服装的发展历史，才能理解那个时代大师们的设计风格和艺术表现，从而借鉴到自己的服装设计当中。

20世纪80至90年代，德国的设计大师卡尔•拉格费尔任CHANNEL公司的首席设计师，为了扭转CHANNEL公司当时的困境、为其注入新的活力，卡尔•拉格费尔首先从熟悉夏耐尔品牌的设计风格开始着手，以致于对CHANNEL几十年历史中的每一个款式，他都可以一边默写一款一边讲解。在充分了解CHANNEL风格和设计历史之后，卡尔•拉格费尔一改CHANNEL套装的沉闷和单调，推出了90年代粉彩、性感的CHANNEL套装，使CHANNEL服饰重振旗鼓，再次赢得年轻女性的喜爱，从而恢复了CHANNEL品牌往日的活力。

可见，每一位设计师都要付出相当的努力，方能使设计的作品获得认可和成功。

服装设计绘手稿的工具是什么？

素描纸，A4纸都可以，然后彩铅，水粉或马克笔即可

不懂手绘的可以学好服装设计吗大神们帮帮忙

只用电脑是不可能的。手绘不好可以学服装设计，但是绝对学不好。 服装设计者需要有良好的美术基础，通过各种绘画手法来体现人体的着装效果。如果没有手绘功底的画，首先连第一步的设计草图就无法完成。服装设计和一般的平面设计些许不同，因为服装设计是一项时间性相当强的工作，因为需要在极短的时间内迅速捕捉并记录设计构思，所以在动笔的时候要有一定的概括性、快速性，而同时又必须让包括设计者在内的读者通过简洁明了的勾画、记录，读懂设计者的构思。 其后还有时装效果图，商业时装设计图，时装艺术广告画与插图等等，而电脑的作用是使其更真实性，起到渲染美化等作用。他并不能代替笔和纸的用处。 所以手绘不好的话可以加强，但不能放弃啊~~~

汉服的手绘服装设计图

嗷，妹子我不会画。

汉服一般按照形制做。

你可以去汉服研习制作吧看看。里面很多汉服制作的教程贴。

推荐从齐胸襦裙开始做。这个比较简单～

看清裙子上的刺绣就知道会火，动物元素的汉服有多美？

进入21世纪以来，随着服装文化产业的不断繁荣和发展，各种服装出现在人们的眼前，令人眼花缭乱。其中汉服作为我国传统文化服装受到广大人民群众的喜爱，因为它具有浓郁的历史文化沉淀感，它使许多女孩加入到复兴传统文化的阵营中，甚至有些男孩也不例外。

然而近两年来，由于汉服服装的同质化，不少人反映市场上销售的汉服过于单调，并没有给人耳目一新的感觉，其实并非所有汉服的设计都是一样的。很多商家也在注重创新，将汉服与动物元素相结合，不仅突破了原来一成不变的设计，而且使汉服更加神奇美丽，古人非常聪明。当他们做出汉服时，他们会添加许多元素来表达他们对生活或未来的愿望。常见的元素有龙、凤、蟒蛇、花等。据古籍《广雅》记载，使用“鸾鸟，凤凰属也”。《广雅》中记录的丹雀元素用于下图中的红色婚纱，丹雀是凤凰鸟的原型。为什么人们喜欢用丹雀作为衣服上刺绣的元素。

这是因为丹雀最初是和谐吉祥的象征。直到凤凰被称为后来的世界，世界赋予了它“鸟中之王”和“天上飞的凤凰”的含义。是一个红色的汉服和一个明亮的火花。它将丹雀元素的刺绣图案绣在袖子上，增添了“非梧桐不住，非清水不饮”的优雅味道，让人的气质更上一层楼。完成丹雀元素后，不得不提的是仙鹤元素。仙鹤元素已经流行很久了。明清《御府志》记载了公务员绣禽兽的严格制度。在清代，仙鹤已经是官员官服的必备印刷元素，公务员的官服上都绣有仙鹤。那么为什么在古代仙鹤这么高呢？

一方面，仙鹤代表了延年益寿的意义，另一方面也代表了不从人间坠落的崇高愿望，因此可以用它来镶嵌衣服，表达人间的雅致情怀。而且仙鹤的图案又长又优美，绣成汉服的图案，既不朽又美丽，如图所示，白色汉服加上仙鹤元素，更添清凉典雅的韵味；暖黄色汉服和仙鹤元素使整体风格更加柔和灵活；浅蓝色汉服和仙鹤元素增加了不朽和纯洁的感觉。

不同的色彩组合仙鹤可以让人增添不同的气质和风格，而仙鹤是一个非常多才多艺的元素，将鲤鱼的元素融入到汉服中，不仅可以寄托美好的期待，而且可以使整体形象更加生动，更加衰老，非常适合想让自己更年轻的女孩。

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古装是指相对于现今的时装而言，一种时间性的服装概念，下面由我为大家整理的二次元动漫唯美古装汉服美女图片，大家一起来看看吧!

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